Depois de muito esforço e dedicação, nosso querido blog cresceu e virou um lindo site!

A J.Jr (Empresa de Jornalismo Junior da Escola de Comunicações e Artes da Universidade de São Paulo) orgulhosamente apresenta:

http://cinefilos.jjunior.org.br/

Ainda estamos fazendo os ajustes finais, mas o site já esta funcionando a todo vapor!

Comente, participe, dê suas sugestões e dicas! … E boa sessão!

Já fazia tempo que o músico Branco Mello tinha a intenção de fazer um documentário sobre sua banda de rock, os Titãs, uma das mais importantes do Brasil. “Um dia eu vou fazer isso, vou fazer um filme”, dizia.

Esse dia levou 22 anos. Mas valeu a pena. Titãs – a vida até parece uma festa estreou dia 15 de janeiro, após dar uma palhinha na 32ª Mostra Internacional de Cinema. Ao lado de Branco Mello, a co-direção do amigo e cineasta Oscar Rodrigues fez toda a diferença: “Tinha que ser um cara como o Oscar, respeitoso, talentoso, com um jeito compatível com o meu”. O titã conheceu Oscar quando este dirigiu o clipe da música Epitáfio, em 2002. Mostrou-lhe então a enorme coleção de fitas não catalogadas, que ele produziu desde que comprou a câmera, em 1986. Branco a levava nos shows, estúdios, quartos de hotéis, aeroportos, ensaios, registrando momentos vibrantes de criação e engraçadíssimos bastidores.

Junto às imagens amadoras do músico, apresentações antológicas foram recuperadas, como a do Hollywood Rock em 1988, onde os Titãs tocaram para mais de 200 mil pessoas, e a do Acústico MTV em 1997, que consagrou o aniversário de 15 anos da banda e marcou sua segunda geração de fãs. Esse Acústico vendeu mais de 1,7 milhão de cópias, o recorde do formato.

Além dessas, o longa mostra diversas apresentações da banda em programas de auditório, como no Qual é a Música? de Silvio Santos e no Domingo Legal de Gugu Liberato, em que a banda encena resgatar uma fã de uma bizarra aranha gigante. Branco conta que era “um grande barato” para a banda tocar nesses programas: “A gente tocava nos buracos de São Paulo, mas tinha essa coisa em comum, de gostar dos programas de auditório. A gente achava aquilo a cara do Brasil e queria fazer parte também”.

Na quarta-feira, dia 28/1, Branco Mello e Oscar Rodrigues participaram de um debate com a plateia após sessão do filme, no HSBC Belas Artes. Ambos contaram das experiências que os levaram até a produção do filme, da perspectiva do ídolo e do fã. Oscar falou da honra de ser “convidado a interpretar o primeiro filme dos Titãs”, cuja obra sempre o emocionou. “Se já é uma responsabilidade dirigir um videoclipe, transformar em imagens as canções, com um filme isso só aumenta. Além disso, eu acho que eu nunca te falei isso antes [dirigindo-se a Branco Mello], mas é difícil co-dirigir. Um dragão de duas cabeças pode muito mais facilmente se chamuscar. Mas o Branco foi ótimo, conseguimos trabalhar com harmonia”.

Já Branco Mello desabafou que não só é difícil ser um titã, como “ser um titã contando uma história dos Titãs, do conjunto, uma banda que nasce, renasce, se reinventa o tempo todo”. Havia a preocupação de agradar aos outros integrantes, tão personagens quanto ele nessa história, mas ao mesmo tempo de “mostrar o melhor e o pior de cada um”, de ser sincero no relatar. Em busca desse equilíbrio, “A vida até parece uma festa” não se exime de mostrar momentos como a prisão por posse de drogas (e sua abusiva cobertura da mídia) de Arnaldo Antunes e Tony Bellotto e a morte do guitarrista Marcelo Fromer em 2001.

Também o consenso entre Branco e Oscar por contar uma história dos Titãs sem ordem cronológica e sem narrativa foi um passo nessa busca: “A gente resolveu fazer uma coisa pro cinema, então o bacana é chamar as pessoas pro cinema. Não é elas estarem ouvindo uma história, mas participando duma história”, explica Branco.

Embora às vezes essa história possa parecer desconexa e as cenas das brincadeiras do grupo, um tanto excessivas, o filme mostra as raízes da familiaridade que os brasileiros têm com letras como Bichos escrotos e Marvin e figuras como Nando Reis e Arnaldo Antunes. Segundo Branco Mello: “Os nossos fãs de quinze anos nem sabem que o Arnaldo era um titã, veem ele como tribalista. Fãs mais novos não vão se lembrar do Nando na banda também, acho que o filme tem isso de importante, de contar isso”.

Entre passados mais e menos recentes, é divertido e emocionante acompanhar o intenso convívio de uma banda que, ao longo de 26 anos de carreira, não perdeu a juventude, a amizade e a paixão pela música e é uma das maiores inspirações e modelos da música pop brasileira.

Kate Winslet é dotada de um talento ímpar que a faz, sem sombra de dúvida, a maior atriz de sua geração. Ela consegue encarnar as mais variadas personagens sem nunca se repetir e, sempre, é muito verossímil. Essas habilidades podem ser conferidas em O Leitor (The Reader), que estreia nessa sexta-feira. Através de olhares, entonações nos diálogos e gestos minimalistas, a atriz constrói uma mulher que expressa uma dureza nos olhos e possui uma sensualidade fria. Winslet é capaz de antecipar o que Hanna esconde ou o que ela enfrentará com um olhar desviado ou uma mão que, repentinamente, vai a nuca como se quisesse disfarçar alguma coisa.

A indicação ao Oscar de Melhor Atriz por esse papel é merecida, mas ela também deveria concorrer por Foi Apenas Um Sonho. Apesar de apresentar uma performance formidável em O Leitor, Winslet é prejudicada pela natureza de sua personagem. Dificilmente, a ala judia da Academia reconhecerá seu trabalho uma vez que ela interpreta uma guarda nazista que não se sente culpada pelas mortes cometidas pelo Reich de Hitler. Graças a um fortíssimo lobby, os membros judeus da Academia já conseguiram tirar o Oscar de Melhor Filme Estrangeiro de Paradise Now, uma produção palestina, e com Winslet poderá acontecer o mesmo, o que beneficiará ou Anne Hathaway (O Casamento de Rachel) ou Meryl Streep (Dúvida).

Ambientado na Alemanha pós-guerra, O Leitor narra o envolvimento sexual de Hanna Schimitz, uma ex-guarda nazista de 36 anos, com o adolescente Michael. Todo encontro desse improvável casal segue um estranho ritual: primeiro, tomam banho, depois, Michael lê algum romance para Hannna e, em seguida, fazem sexo. O tórrido romance dura apenas um verão e acaba devido ao sumiço repentino de Hanna. Anos mais tarde, quando já está cursando Direito, Michael reencontra Hanna. Mas o destino os coloca de lados opostos. Hanna está sendo julgada por ter trabalhado num campo de concentração durante a 2° Guerra Mundial e Michael é convocado por um de seus professores para acompanhar o julgamento. Trabalhar para os nazistas, porém, não é o único segredo guardado por Hanna. Ela esconde outro detalhe de sua vida que determinará seu destino.

Rever a ex-amante faz Michael sentir novamente sentimentos que há tempos estavam enterrados e provoca dúvidas a respeito de quem merece ser punido pelos crimes dos nazistas. Só os participantes ativos do massacre dos judeus devem sofrer um castigo ou aqueles que foram omissos em relação a matança também merece uma punição? Essa questão ainda é fonte de polêmica e, dificilmente, uma resposta satisfatória será encontrada.

É bom deixar claro que O Leitor não pretende polemizar, nem discutir tal assunto. O filme apenas retrata brilhantemente como o sentimento de culpa causado pelo Holocausto ainda é refletido no cotidiano e nas atitudes dos alemães.

Qual seria o filme de terror por excelência? Não “Um” filme, mas “O” filme? Se uma votação como essa fosse feita, muitos seriam os votos para O Exorcista, que há décadas é lembrado por muita gente como o filme mais assustador que já assistiram. Aliás, muitos até hoje não se aventuram a assistí-lo.

Um demônio libertado numa escavação no Oriente Médio se apossa de Regan (Linda Blair), uma menina de 12 anos que mora com a mãe (Ellen Burstyn), atriz divorciada. A garota, até então amável, passa a apresentar comportamento agressivo, falar palavras de baixo calão e fazer atos estranhos. Tida como adoentada, passa por uma série de medonhos (e provavelmente bem dolorosos!) exames na tentativa de um diagnóstico. A situação e os horrores vão evoluindo até a sua completa transformação num demônio, e à solução temporária de deixá-la amarrada à cama. Sem mais saber o que fazer, sua mãe, desesperada, recorre ao padre e psiquiatra Damien Karras (Jason Miller) para fazer o exorcismo.

O filme, tenso desde o início, é marcado mais pelo terror psicológico do que por banhos de sangue, mutilação e toda espécie de carnificina tão comuns em filmes do gênero. Todo o horror que ele inspira, talvez, se deva ao fato de o roteiro parecer mais “real” do que outros filmes de terror, de aventuras demasiadamente fantasiosas. N’O Exorcista vamos acompanhando a mãe da menina a procurar por todas as soluções possíveis até o final reconhecimento de que a filha está possuída, passando antes, pelas fases de descrença e questionamentos religiosos que seriam comuns a qualquer um de nós.

Entretanto, o filme é mesmo lembrado pelas cenas clássicas de possessão, como a que Regan desce a escada de casa feito uma aranha, ou aquela em que se masturba violentamente com um crucifixo, espalhando sangue por todos os lados e gritando com uma voz realmente demoníaca: “Deixe que Jesus te foda”.

Na fase de completa transmutação da garota, uma brava salva de palmas deve ser dada à maquiagem. Não é mais possível reconhecer as feições da menina por baixo da pele esverdeada coberta de feridas abertas e cheias de pústulas. A voz do demônio, capaz de causar arrepio na espinha, foi dublada pela atriz Mercedes McCambridge, que ingeriu ovos crus e fumou feito uma chaminé para alcançar o resultado esperado.

Para aumentar a aura assustadora do filme, uma série de acontecimentos estranhos e um tanto quanto macabros aconteceram durante as filmagens e pouco depois delas, incluindo a morte de um ator e vários acidentes com a equipe de filmagens. E um detalhe a mais: o número da casa em que se realizaram as filmagens era 666. Truque de marketing ou coincidência do demo?

Comparado com os filmes de hoje (lembrem-se que esse “velhinho” já tem mais de trinta anos!), alguns dos efeitos são tão toscos que chegam a provocar riso, como os flashs de uma face do demônio branca e de olheiras vermelhas, que mais parece o Marilyn Manson (ok, não que ele não seja assustador), ou os jorros de vômito verde e espesso, mais parecidos com sopa de ervilha ou vitamina de abacate.

A todos que me perguntam, eu respondo que não tenho medo, assisto sozinha (à noite) e dou risada assistindo O Exorcista. E dou mesmo. Mas confesso que depois, TV desligada, luzes apagadas, meu pensamento ainda volta incomodamente àqueles olhos demoníacos e à música, tão característica, do filme.

Quando pensamos em suspense no cinema logo nos vem o nome de Stanley Kubrick. Quando o assunto é terror na literatura temos Stephen King. A pergunta é: o que acontece se Kubrick filmar um livro de King? A resposta é “O Iluminado” de 1980.

Um dos maiores filmes de terror da história do cinema. Kubrick não precisa de grandes efeitos especiais para nos deixar rígidos e aflitos enquanto assistimos ao filme. Coloque duas meninas vestidas de forma igual de pé em um corredor, corta para as duas mesmas meninas mortas e sangue por todo lado. Com certeza é mais do que o suficiente para provocar calafrios.

Jack Nicholson parece perfeito para o papel de escritor perturbado que toma conta de um hotel, apenas com a mulher e filho, isolados de todo resto do mundo. Com a sua peculiar cara de louco, principalmente lá para os finalmentes do filmes quando sua paranóia e loucura já estão bem afloradas. Impossível esquecer a expresão de maníaco com a cabeça enfiada entre os pedaços da porta despedaçada por um machado enquanto ele persegue a mulher e o filho.

Algumas mudanças leves foram feitas na adapatação às telas, algumas delas uma pena na minha opinião. Uma das cenas mais assustadoras e aflitivas do livro foi cortada e o final também foi alterado.

Entre rabiscos de RedruM, grandes volumes de sangue vindo em câmera lenta pelos corredores do hotel, quartos proibidos, muita neve e um labirinto, “O Iluminado” é ainda hoje um dos filmes mais assustadores de todos os tempos.

Onze anos após o sucesso de Titanic, Kate Winslet e Leonardo Di Caprio voltam a contracenar no drama Foi Apenas Um Sonho (Revolutionary Road). Dessa vez, Kate e Di Caprio enfrentam outro naufrágio: o do casamento. Na pele de April e Frank Wheler, os dois atores representam a angústia e a frustração de um casal da classe média alta americana da década de 1950 que não está satisfeito com o estilo de vida que leva. April é uma atriz fracassada que se vê obrigada a ser dona de casa e cuidar dos dois filhos. Já Frank trabalha como vendedor em uma empresa, tendo o mesmo emprego que seu pai tinha, algo que jurou para si mesmo, quando criança, que não aconteceria jamais.

Entre brigas e reconciliações, April e Frank decidem que Paris é o lugar ideal para serem felizes e encontrarem seus respectivos lugares no mundo. Ela trabalharia como secretária em uma embaixada, enquanto ele decidiria qual é sua verdadeira vocação. Mas, aos poucos, eles percebem que tal mudança não será tão fácil. A cada passo que dão rumo ao sonho de ir para Paris, eles se deparam com o vazio e a mediocridade que imperam em suas vidas.

Foi Apenas Um Sonho é uma crítica mordaz não só ao estilo americano de viver, mas também à maneira acomodada como conduzimos nossas vidas. April e Frank são metáforas para a covardia generalizada que toma conta dos homens. A busca pelo conforto, pelo dinheiro e pela vida que achamos que devemos ter nos impede de ver o que realmente nos faz feliz. April e Frank veem em Paris a possibilidade da redenção que não serão capazes de alcançar.

Através de uma ótica um tanto niilista, Sam Mendes cria uma fábula para explicar o que move o ser humano: a insatisfação. Cada ação, cada gesto, cada movimento de April e Frank tende a buscar desesperadamente a felicidade e a sensação de estar vivo. Embora brilhante, Foi Apenas Um Sonho foi ignorado pela Academia. O filme apresenta uma direção segura, atuações memoráveis, uma deslumbrante direção de arte e um figurino impecável. Mas, por motivos obscuros, todos esses predicados não agradaram aos membros da Academia. Talvez o que os tenha incomodado foi o fato de Foi Apenas Um Sonho ser real demais.

A humanidade e seu pavor de mudanças. Esse tema, que atinge seres de diferentes idades, está presente no novo filme do argentino Daniel Burman, que estreia hoje (30) em São Paulo e outras capitais. Em Ninho Vazio, o cineasta, de 35 anos, mostra o passar das horas de Leonardo (Oscar Martínez), escritor cinquentão bem-sucedido da classe média argentina.

A diferença da idade entre criador – Burman – e criatura – Leonardo – talvez influencie nos cortes bruscos que percorrem todo o longa. Isso, talvez, configura em uma forma de o diretor, que também escreveu o roteiro, evitar mergulhar no que não conhece. E, se o filme mostra o passar das horas de Leonardo, o faz com esses pequenos recortes.

Leonardo em um jantar com a esposa – crise no casamento. Leonardo conversando com o novo amigo psiquiatra – reflexões existenciais. Leonardo no consultório da bela dentista – relacionamento relâmpago. É montando essas pequenas peças cotidianas que o escritor passa seus dias – não se sabe bem quanto tempo é percorrido – para tentar preencher o vazio deixado pela saída dos filhos de casa.

Os filhos crescem e vão embora. O ninho fica vazio. Restam Leonardo e a esposa, os dois que, longe do caos diário que era a vida com os três filhos, caem de volta dentro de uma relação a dois, que entra em crise. Os filhos seguem suas vidas. Enquanto isso, Leonardo parece estacionar a sua. O chefe da família se ressente e mergulha em si, enquanto Martha (Cecília Roth), a esposa, volta aos estudos, faz novas amizades na faculdade, tem uma vida mais ativa, cheia de amigos. Um casal de antítese.

Nesse conflito que não explode – uma espécie de “guerra fria” – Leonardo parece agonizar. Vemos passagens suas que não se sabe se são sonho, realidade, ou o próprio interno do personagem. Tudo acompanhada de uma gostosa trilha jazzística. E são nesses momentos de menos fala e de mais contemplação que Burman ganha pontos.

Muito comparado a Woody Allen, o diretor, pelo menos se depender de Ninho Vazio, parece se distanciar mais do cineasta norte-americano – a não ser que fosse chamado de “Woody sombrio”. Ninho Vazio é sombrio. Ou, se quiser dar um sentido gustativo ao longa, Ninho Vazio é amargo.

“A Camorra, a Calabria, a Cecília são a face do que se desabituou de se chamar ‘capitalismo selvagem’” afirma Manuel da Costa Pinto, editor e crítico de cinema do jornal “Folha de S. Paulo” e um dos convidados para o debate sobre o filme “Gomorra”, na noite de quinta-feira, dia 22, na Livraria Cultura, em São Paulo. No evento estavam ainda Bruno Paes Manso, jornalista de “O Estado de S. Paulo” e Marçal Aquino, escritor e roteirista.

O filme, dirigido por Matteo Garrone, retrata a máfia italiana do sul do país e teve como inspiração o livro homônimo do escritor italiano Roberto Saviano, que conviveu com a máfia durante 26 anos. “ Saviano teve que tomar uma posição. O livro é muito mais um desabafo, um grito, uma denúnica do que uma representação propriamente dita” diz Paes Manso. “ Seu olhar sobre os fatos é o olhar de alguém que conviveu, sabe o que fala e sabe que por causa disso vai correr o risco eterno de morrer”. Atualmente Saviano encontra-se jurado de morte depois da repercussão de seu trabalho ao redor do mundo.

Para Manuel, o livro pode ser classificado como uma literatura de testemunho, uma vez que, apesar de estar muito próximo do romance, pode ser caracterizado por uma narrativa onde uma vítima “tenta dar conta dessa realidade dramática, irrepresentável”. Em sua opinião, o filme trata de expor o horror da transformação das pessoas em objetos, da alienação, da forma mais brutal do capitalismo, o capitalismo selvagem: “que coisifica tudo”. “ O que Saviano mostra é que existe essa faceta do capitalismo na União Européia, existe ainda a coisa pura, a transformação do homem em dejeto, em nada, o que caracteriza o livro todo”.

Marçal chama atenção para a extrema veracidade que o filme transpassa ao espectador e que traz semelhanças com o neorealismo italiano: “ o grau de realidade não poderia ser diferente, trata-se de um documento, aquilo que vemos na tela é verdade e acontece; o filme de Garrone se aproxima muito do neorealismo italiano”. O escritor e roteirista consegue ainda identificar uma semelhança entre “Gomorra” e “Cidade de Deus”, do brasileiro Fernando Meirelles: “ a felicidade da adaptação é terem sido tiradas do livro algumas histórias representativas; o filme lembra o Cidade de Deus por várias razões, é um mosaico com milhares de histórias e personagens, não é a toa que o filme tem 6 roteiristas”. Paes Manso concorda, mas ressalta que em “Cidade de Deus” não há o posicionamento evidente de “Gomorra”; para Manuel, “Gomorra” não possui “respiro, cor local como ‘Cidade de Deus’”.

Traçando um parelelo com Hollywood e depois com São Paulo, Marçal afirma que o filme “não se parece em nada com o cinema hollywoodiano, onde o bandido é bonitão, o que é um dos acertos desse filme, pegar atores próximos da realidade”. No que Manuel concorda: “ todos os ambientes são de uma periferia decadente em que tudo é dejeto, tudo é desglamourizado, ‘Don Corleone’ é só nas telas”. Referindo-se a São Paulo, Marçal aponta que a diferença está na “estrutura quase secular existente em ‘Gomorra’, onde tudo está misturado ao mesmo tempo e os tentáculos do crime estão onde menos se pode esperar, desde a coisa mínima até a coisa grande”. Paes Manso concorda, mas lembra o surgimento do PCC (Primeiro Comando da Capital) como um dado a ser levado em consideração na nova realidade do crime em São Paulo. “ O aspecto institucional e a forma como em ‘Gomorra’ a máfia comanda a cidade é impressionante; hoje em São Paulo faz 8, 9 anos que os homícidios despencaram, mas nesse cenário aparece o PCC, que funciona como um intermédio, um juíz desses conflitos [entre mafiosos, bandidos e civis], sendo uma grande instituição”.

A deterioração das relações sociais é apontada por Manuel como o principal fator para a formação e a crueldade empregada pelas instituições mafiosas. “ É uma forma pura de aniquilação social, o filme poderia se passar em qualquer periferia de uma cidade grande do mundo; esse é o lado sombrio do capitalismo global.”

Leia mais sobre o filme Gomorra: http://cinefilosjjunior.wordpress.com/gomorra/

No início dos anos 60, a carreira de Bette Davis, uma das maiores atrizes cinematográficas norte-americanas, aproximava-se perigosamente do fim. Após uma série de fracassos em Hollywood, a estrela que brilhara ininterruptamente nas décadas de 30 e 40 publicou na Variety o seguinte anúncio:

Artista procura emprego

Americana, divorciada, mãe de três filhos (15, 11 e 10 anos). Trinta anos de experiência como atriz de cinema. Ainda em condições de movimentar-se e mais afável do que dizem os boatos. Deseja emprego em Hollywood (fartou-se da Broadway). Respostas para: Bette Davis a/c Martin Baum, G.A.C. Dá referências.

Este golpe de autopromoção inspirou o diretor Robert Aldrich a conceber uma trama macabra concernindo duas velhas irmãs enclausuradas num casarão, e, num sagaz discernimento de publicidade, a produção reuniu duas atrizes célebres por décadas de uma legendária rivalidade na arte e na vida, Bette Davis e Joan Crawford. Assim surgiu O que terá acontecido a Baby Jane, um terror gótico que deu início ao ciclo que praticamente inventou o gênero.

Num lúgubre casarão vivem as irmãs Hudson. Baby Jane (Bette Davis), outrora uma criança-prodígio cuja carreira entrara em declínio, cuida de Blanche (Joan Crawford), uma estrela cinematográfica célebre em Hollywood que teve a carreira abruptamente interrompida quando ficou paralítica após um acidente automobilístico causado justamente por Baby Jane embriagada ao volante. A degeneração mental latente de Baby Jane vem à tona ao saber que Blanche pretende interná-la num sanatório e, daí em diante, seu desvario leva-a a protagonizar violências cada vez mais bizarras contra sua irmã.

Rodada em 20 dias, esta produção B oculta meticulosamente as limitações orçamentárias graças ao marcante talento dos profissionais envolvidos. Com a direção de arte barroca de William Glasgow, os cenários góticos de George Sawley, os figurinos grotescos de Norma Koch e a impressionante fotografia de contrastes fortes de Ernest Haller, o diretor Aldrich concebeu genialmente uma brutal atmosfera de pesadelo, adicionando a uma típica fábula de Grand Guignol a estética do film noir, gênero no qual o diretor era um admirável connaisseur.

Baby Jane é, contudo, especialmente célebre pelo marcante desempenho de suas atrizes. Crawford e Davis dominam magistralmente suas grotescas personagens, infundido-as da mesma vitalidade que fizera de ambas duas das maiores estrelas dos anos 30 e 40. Jane e Blanche são duas caricaturas humanizadas envolvidas numa brutal guerra de nervos, arrastando a platéia para dentro de um turbilhão de demência.

A Blanche de Joan Crawford é a máscara bizarra de uma mulher cuja ambivalência se desdobra muito lentamente. Na luta pela sobrevivência, desafiando os limites de seu corpo paralisado, remanesce sempre implícita a percepção de que Blanche poderia ser tão ou mais perigosa que Jane fossem dadas outras circunstâncias.

Crawford compõe uma personagem sensacional em Baby Jane. Não obstante, com seu estilo elétrico de interpretação, é Bette Davis quem domina violentamente o filme. Seu rosto pesadamente maquiado denuncia uma sádica máscara de loucura e seu corpo desleixadamente flácido sugere uma tosca sensualidade que alcança os limites da monstruosidade. Frente à sua interpretação ousada, ostensivamente exagerada, plena dos maneirismos que seriam parte cada vez mais freqüente de seus desempenhos subseqüentes, o espectador se dá conta, encantado, dos abismos de insanidade em que sua personagem mergulhou. Nas rudes gargalhadas ao servir um rato cozido à irmã, no espancamento a pontapés de Blanche ou na alegria subliminar de perpetrar um assassinato a marteladas, Bette Davis legou suas derradeiras cenas iconográficas nas telas e somente muito ocasionalmente sua carreira lhe propiciaria o patamar ao qual este filme genial e cruel a alçou no imaginário coletivo das platéias.

O que terá acontecido com Baby Jane? (Whatever hapenned ro Baby Jane?)
1962 – Estados Unidos – 132 minutos – P/B – terror

Direção: Robert Aldrich.
Roteiro: Lukas Heller baseado o romace de Henry Farrell.
Direção de Fotografia: Ernest Haller.
Direção Musical: Frank DeVol.
Figurinos: Norma Koch
Direção de Arte: William Glasgow.
Montagem: Michael Luciano.
Produção: Kenneth Hyman para a Seven Arts Associates e Aldrich Production, lançado pela Warner Brothers.

Elenco: Bette Davis (Baby Jane Hudson), Joan Crawford (Blanche Hudson), Victor Buono (Edwin Flagg), Marjorie Benett (Mrs Della Flagg), Madie Norman (Elvira Stitt), Anna Lee (Mrs Battes), Barbara Davis Merrill (Liza Bates), Julie Allred (Baby Jane criança), Gina Gillespie (Blanche Hudson criança), Dave Willock (Ray Hudson), Ann Barton Cora Hudson), Wesley Addy (Diretor), Robert Cornthwaite (Dr Shelbuy), Bert Freed (Produtor).

Combine filmes de Natal em família, comédias românticas açucaradas, Vince Vaughn e Reese Whiterspoon: eis Surpresas do Amor (Four Christmases), o sucesso do natal norte americano que por lá já faturou mais de US$115 milhões e passou duas semanas na liderança do ranking de bilheteria. Se olharmos para a atual situação dos EUA, fica fácil entender o porquê do sucesso de Surpresas. Em meio à crise, é normal que os norte-americanos queiram ir aos cinemas para ver algo mais leve e se afastar um pouco do quadro cotidiano.

O filme pode ser pensado como uma mistura de Doce Lar (com Reese Whiterspoon) com Separados pelo Casamento (com Vince Vaughn). Juntamos protagonista que quer fugir de sua família em Doce Lar com os conflitos amorosos de Separados pelo Casamento, e, claro, unimos a mocinha de um com o mocinho do outro. Até aqui, nada de novo.

Neste filme que se formou, Brad (Vince Vaughn) e Kate (Reese Whiterspoon) são um casal de namorados que procurar fugir de suas complicadas e estranhas famílias nas festas de fim de ano. Sempre viajando e inventando desculpas para não visitar os parentes.

Uma neblina que cobre a cidade de São Francisco no Natal será a grande culpada pelas desgraças do casal, que se vê forçado a enfrentar quatro natais (afinal, ambos tem pais divorciados) em um mesmo dia, não sem custos à relação ou às convicções de ambos. A narrativa nos mostra que o casal não se conhece muito bem e muita coisa faltou nas conversas dos namorados, dos pequenos segredos às vergonhas escondidas em antigos álbuns de fotografias.

Entender por que Brad e Kate fogem de suas famílias é fácil, poucas são as pessoas que nunca se irritaram com interferências e fofocas familiares. No entanto, a grande mensagem que esta comédia romântica passa (por que você já deve ter percebido que comédias românticas sempre passam uma mensagem bonitinha no final) é de que viver e conviver em família pode ser melhor e mais recompensador, apesar de tudo. E neste jogo amoroso, a sinceridade é a melhor tática, sempre lembrando que planos podem ser revistos.

Bons filmes de terror têm de ter morte. Os ruins também têm. A morte, encenada a fio no cinema, ganha toques de requinte e imaginação nas mãos dos diretores de horripilantes películas como Evil Dead, Night of the Living Dead ou Braindead. Após esses títulos, alguém discorda que a morte é mais do que essencial pro terror? Confira abaixo, se tiver estômago forte, as dez maiores mortes em filmes de terror.

10º: A Nightmare on Elm’s Street – Afundando na cama
A estréia da franquia de Freddy Kruguer contava com uma fórmula até então reciclada diversas vezes — e re-reciclada nos outros filmes. Uma pacata cidade estadunidense, famílias felizes, estereótipos de adolescentes e fatos estranhos que começam a acontecer. Não há nada mais estranho, aliás, do que afundar num sem fim pela cama. Assim morre o personagem de Johnny Depp, Glenn, à época com cara de molecote do time de futebol americano. Glenn não resiste ao sono e cai nas garras de Freddy e num gêiser de sangue.

9º: The Blob – Ou seria o silicone?
Grande nome do trash, o remake “A Bolha Assassina” é uma história nonsense digna de ser o mais assustador do Cinema em Casa. A meleca sedenta por morte é versátil nos assassinatos, e, no caso, espera pra dar o bote no meninão também sedento. Ela poderia se disfarçar de prótese que dava na mesma.
http://www.youtube.com/watch?v=yydVLCUtsNM

8º: Evil Dead 2: Dead by Dawn – Ex-namorada boa, é ex-namorada…
Morta. A máxima vale para o maior astro do horror: Ash Williams. O maneta da moto-serra e do pau-de-fogo (é como ele define sua 12mm) protagoniza a série Evil Dead, dirigida por Sam Raimi. Na segunda fita da trilogia, Ash logo perde sua namorada pro incansável Necronomicon (“O livro dos mortos”). Transformada em monstro, Ash não vê solução senão degola-la com uma pá. Na verdade, ele assim o fez porque não tinha a moto-serra em mão. Arma empunhada, ex-namorada morta de novo. Com estilo.

7º: Sleepy Hollow – Magistrado às voltas
Depp encabeça outro posto na lista, mas dessa vez não é, propriamente, com sua cabeça. Em “A Lenda do Cavaleiro sem Cabeça”, o queridinho de Tim Burton é o incrédulo Ichabod Crane. Descrente, a bem da verdade, até esta cena. O magistrado Philipse (Richard Griffiths) é vítima do Cavaleiro sem Cabeça que, com destreza na espada, desfere um corte desafiador às leis da física: como essa cabeça girou tão perfeitamente?
http://www.youtube.com/watch?v=saO20zdDEwk

6º: Friday the 13^th 8: Jason Takes Manhattan – Criatividade à flor da pele
Jason Voorhees nunca foi muito criativo em seus assassinatos. Desde o primeiro filme da série Sexta-feira 13, poucas são as vezes que ele consegue sair do feijão-com-arroz, isto é, a facada mortal. No oitavo filme, entretanto, o maior serial killer do cinema parece ter um espamo de imaginação, talvez causado pela cidade de Nova York. O resultado são 20 mortes, das 160 cometidas durante os 11 filmes. A mais interessante, a 15ª do vídeo, é um show de atletismo pelo senhor Voorhees: máscara do hockey, soco do boxe e cesta do basquete.
http://www.youtube.com/watch?v=IYaZ6rOeFCg

5º: Wolf Creek – Head on a Stick
Leva nome de receita, mas é na verdade a técnica mortal realizada pelo fazendeiro australiano Mick Taylor (John Jarrat) em Wolf Creek. Usando uma temática também freqüente — a viagem interrompida por um doente matador —, o filme ainda arrancou elogios de crítica e público. A película arrisca alguns planos incomuns no gênero, como a vastidão australiana e a fotografia inerente às locações. Sem mais delongas, o domínio da lâmina aqui daria inveja ao Cavaleiro Sem Cabeça — sem cabeça, mas com coluna.

4º: A Mosca II – Cara derretida
A mutação é mais uma fórmula que sempre dá certo em filmes de terror ou terror trash. Ocorrida por motivos contemporâneos ao contexto histórico, isto é, devido à radiação na época da Guerra Fria, engenharia genética no fim do século e, quem sabe atualmente, pelo aquecimento global, a mutação já transformou seres humanos em monstros, zumbis, cobras, aranhas e moscas gigantes. E, se o homem-aranha é uma mutação bem sucedida, o homem-mosca passa longe disso, embora tenha seus poderes. O jato de ácido é o responsável pela morte nada comum de um segurança em The Fly II.
http://www.youtube.com/watch?v=QGF9cZZaK-o

3º: Night of the Living Dead (1968) – Menina mal-criada
Nada mais justo do que o pódio ao mestre dos zumbis no cinema: George Romero. Em seu primeiro filme, clássico do gênero, Romero já enumera o que viria a fazer parte da cartilha do horror cinematográfico: tensão ininterrupta, roteiro misterioso e, claro, mortes memoráveis. Na sua extensa lista de filmes, todos da mesma temática, o assassínio dos pais pela zumbi-mirim Karen é uma cena que merece destaque.
http://www.youtube.com/watch?v=8RIrLmsGapM

2º: Braindead – O combo
Senhor dos Anéis? Esqueça. Da próxima vez que ouvir o nome de Peter Jackson lembre-se de rato-macaco da Sumatra, mamãe zumbi gigante, festinha de mortos-vivos e um padre que luta artes marciais. Esses são os ingredientes da obra-prima do diretor: Fome Animal, o maior clássico terror trash de que se tem notícia. A seqüência de mortes abaixo ganha o honroso segundo lugar da lista.
http://www.youtube.com/watch?v=nrYrkiyo3BM

1º: Cannibal Holocaust – Não assisti
Mas não é preciso assisti-lo inteiro para saber que é o máximo do terror gore, do sanguinário e do brutal no cinema. As cenas do filme — pai de Bruxa de Blair e REC — estão, definitivamente, entre as mais impactantes já gravadas. A vontade de fechar os olhos é tamanha que a fita foi banida em dezenas de países, e o diretor, Ruggero Deodato, foi obrigado a prestar explicações à polícia italiana sobre a suposta morte dos atores. Impalamento e esquartejamento dão uma idéia de quão fortes são as imagens, mostradas abaixo num trecho de um documentário.

O documentário Fim do silêncio ainda não é exibido nos cinemas, porém, já repercute em diversas mídias. A polêmica em torno da obra dirigida por Thereza Jessouroun já se inicia pelo tema em questão: o aborto e suas conseqüências para mulheres de diferentes estilos e vivências; além da temática, há o assunto do patrocínio concedido pela FIOCRUZ (Fundação Oswaldo Cruz). A cineasta considera positiva a polêmica e a discussão sobre o documentário: “Já está mais do que na hora de esta ser uma discussão de toda a nossa sociedade. Apenas 26% dos países ainda não discriminalizou o aborto e todos eles se encontram na América Latina, África e Ásia. A criminalização do aborto não está impedindo as mulheres de fazerem o aborto. Ao contrário, fazem sem nenhuma segurança, correndo risco de vida”. Thereza conversou com o “Cinéfilos” a respeito do início de sua trajetória no audiovisual e, é claro, sobre o reflexivo Fim do silêncio.

No início:
Comecei trabalhando em filmes de ficção de longa metragem como fotógrafa de cena, em seguida continuísta e depois e assistente de montagem. Mas meu interesse já era documentário, pois eu fazia “documentários” com minha máquina fotográfica. Até que em 1986 tive a sorte de começar a trabalhar como produtora e assistente de Eduardo Coutinho, com quem tive uma grande escola de documentários.

O crescente interesse de cineastas e do público no formato documental:
Acho que pode ser uma consequência da chegada das tvs a cabo, e depois da Internet: mais informações, mais assuntos, mais facilidade de pesquisas, mais interesse. A chegada do formato digital também facilitou e barateou muito a produção de documentários. Também houve maior espaço nos cinemas para o gênero documentário.

A mesma responsabilidade:
A responsabilidade do autor quanto aos temas é a mesma, tanto em documentários quanto em ficções. Os cineastas lidam, através do cinema, com seus países e os temas inerentes à vida em cada um deles.

História à mostra:
O documentário Fim do silêncio propõe que o tema deixe de ser um tabu, e para isso, eu precisava que as mulheres mostrassem seus rostos, assumissem suas histórias e as contassem naturalmente, como se falam de todos os outros assuntos. Divulgamos um texto na Internet procurando mulheres que se dispusessem a contar suas histórias. 22 mulheres se ofereceram. Entrevistei todas elas, mas utilizamos no documentário depoimentos de 12 delas. Eu queria dar voz às mulheres já que há anos se discute o aborto sem escutá-las. É sempre a ótica moral e religiosa que predomina. Conseguimos ter mulheres de diferentes idades, religiões e profissões, de três estados do país (RJ, PE e SP), falando para a câmera, como e porque fizeram o aborto.

Veja também: O Aborto dos Outros, de Carla Gallo (Brasil, 2007).

Devido à preguiça ou à falta de competência, os norte-americanos produziram nos últimos anos vários remakes de películas estrangeiras de terror, como O Chamado. A mais recente novidade dessa safra é Quarentena (Quarentine), baseado no longa espanhol REC.

No filme, a repórter Ângela Vidal (Jennifer Carpenter) acompanha a rotina de um corpo de bombeiros por uma noite. Na maior parte do tempo, a paz reina, entretanto, após um chamado tudo se modifica. Ângela, mais o cameraman Scott e dois bombeiros, vão para um prédio de três andares ajudar uma senhora que grita incessantemente em seu apartamento. Ao arrombarem a porta, a senhora, que estava sentada ensanguentada, morde ferozmente um dos bombeiros. Nesse instante, o terror se inicia. O outro bombeiro desce até o saguão do prédio para pedir ajuda a uma ambulância e descobre que o prédio foi fechado e está cercado pela polícia. O pânico se espalha entre moradores e a diversão do espectador começa.

Com uma única e nervosa câmera (vemos tudo através de Scott), Quarentena tem ares de transpira tensão e angústia durante todos seus 89 minutos. A correria é grande, injetando muita adrenalina em que vê. O maior mérito do filme é não tentar inventar demais. Ele trabalha bem os clichês do gênero, criando um filme b, mas muito divertido Quarentena cumpre a principal função dos filmes de terror: assusta, desespera e, claro, faz rir.

O ano de 2008, definitivamente, foi excelente para Brad Pitt. Além de ser pai de gêmeos, o bonitão teve ótimos desempenhos tanto em Queime Depois de Ler como em O Curioso Caso de Benjamin Button.

Trailler de O Curioso Caso de Benjamin Button

Neste último, Pitt interpreta Benjamin um ser humano que possui uma característica peculiar: embora tenha nascido com o tamanho de um bebê, ele apresenta sinais típicos da velhice, como pele enrugada, surdez e dificuldade para enxergar. Assustado com o problema do filho, Thomas Button (Jason Flemyng) abandona o filho na porta de um asilo e a criança passa a ser criada pela simpática Queenie (a excelente Taraji P. Henson). Por causa dos problemas de Benjamin, Queenie acredita que a criança terá poucos anos de vida, mas, à medida que cresce, o garoto vai apresentando sinais de rejuvenescimento para o espanto de todos.

Benjamin terá que enfrentar problemas típicos de quem está crescendo, se conhecendo e procurando seu lugar no mundo, como o primeiro emprego num barco e a paixão por Daisy (interpretada por Elle Fanning e, posteriormente, por Cate Blanchett). Com muito bom humor, o diretor consegue retratar os percalços pelos quais Benjamin passa. Pitt, em ótima atuação, dá conta do recado, passeando pelas diversas nuances que o personagem exige. Seu desempenho, porém, não deverá ser recompensado por nenhum prêmio, já que o furacão Sean Penn deve arrematar todos os troféus por sua atuação em Milk – A Voz da Igualdade. Assim como Pitt, Cate Blanchett brinda, mais uma vez, o espectador com mais uma bela performance. A impecável maquiagem e os efeitos visuais contribuem bastante para a verossimilhança no trabalho dos dois protagonistas.

Apoiado em ótimas performances e um roteiro bem amarrado, Fincher constrói uma fábula sobre o peso que a diferença pode ter nas relações humanas. Enquanto rejuvenesce e fica mais saudável, Benjamin testemunha o envelhecimento e a morte daqueles que ama, sendo obrigado, inclusive, a se afastar de Daisy. O que poderia ser considerado uma dádiva por muitos, mostra-se, aos poucos, uma maldição. A juventude externa não vale de nada quando se envelhece por dentro e se torna extremamente cruel quando provoca a solidão.

Os musicais, que dominaram o cenário do cinema nas décadas de 1940 e 1950 e depois caíram em desgraça, estão recebendo novo fôlego com a recente produção francesa e conquistando novos fãs. Os exemplos mais contundentes disso são o irresistivelmente pop Canções de Amor e o charmoso Beija na Boca, Não!, que estreia nessa sexta-feira.

Baseado em uma opereta, o longa se passa em 1925 e conta as desventuras amorosas de sete personagens que vivem intensamente traições, amores proibidos e, até, castidade. Através de muita música (muita mesmo), as situações vividas se entrelaçam e as personagens expõem seus dilemas e demonstram suas intenções. Todos os números musicais são extremamente bem-feitos e exalam charme.

Alain Resnais (diretor de Medos Privados em Lugares Públicos) comanda um elenco primoroso, com destaque para Audrey Tatou e Sabine Azema, e realiza um filme inesquecível. Faltam adjetivos para descrever a deliciosa sensação de assistir a Beijo na Boca, Não!. O filme é uma rara e singela mistura de arte e entretenimento, combinação que não costuma acontecer a toda hora. E só isso já era o suficiente para que a película merecesse ser vista. Mas Beija na Boca, Não! oferece mais: ótimas interpretações, uma direção de arte impressionante e um belo figurino. Além disso, no fim do filme, fica aquele gostinho de quero mais.

O restaurante mais badalado da cidade e a melhor torta de carne da cidade exigem a melhor carne moída. A melhor pedida é uma peça de alcatra. No supermercado do senhor Abílio Diniz, o quilo de alcatra está na faixa dos 22 reais.

Creio que no Fasano ou na Alameda Avanhadava, a alcatra não seja problema algum. Para aqueles que, como os cinéfilos que preferem as promoções “Filmes Nacionais a preço de banana” ou “Assista a três filmes de madrugada e faturem um café da manhã” ao conforto de um shopping luxuoso, não têm dinheiro suficiente para pagar a alcatra, Sweeney Todd nos ensinou a melhor saída: carne daquele seu colega mais chato, ou daquele que sabe algo que não deveria. Sim, carne humana é o ás de ouros que faltava!

Mas não fique enojado, caro cinéfilo! Sweeney Todd, como exímio barbeiro, deixa a nós uma valiosa dica gastronômica: lembre-se de retirar todos os pêlos da carne – os ossos não fazem tanta diferença assim… Afinal de contas, o leite também anda encarecendo e cálcio é essencial, não?

O Cinéfilos adaptou uma receita de torta de carne moída – barata! – para você degustar enquanto assiste a um bom filme, como O Albergue ou Jogos Mortais.

Ingredientes

Massa:
1 colher (sopa) de fermento químico em pó
12 colher (sopa) de farinha de trigo
1 colher (sopa) de margarina
½ copo de óleo de soja
1 e ½ copos de leite
sal

Recheio:
500 gramas de carne humana
pimenta-do-reino branca
3 tomates picados
cheiro-verde picado
cebola picada
alho picado
sal

Modo de preparo

Massa:
Numa vasilha funda, colocar na ordem todos os ingredientes, mexendo bem. A massa precisa ficar bem mole. Reservar.

Carne:
Carne humana não se vende. Voltemos às antigas então! ‘Bora caçar! Faça uma armadilha para que sua presa fique indefesa. Sweeney Todd deu a dica de barbear a vítima – até mesmo pela assepsia, afinal de contas, ainda somos humanos e não colocamos qualquer coisa na boca! –, mas Hannibal Lecter, o Zodíaco, John Doe e John Kramer também nos ensinam como conseguir carne humana; faça como um deles e consiga sua carne. Uma vez com o corpo, limpe-o de todos os pêlos e corte-o em pedaços menores para facilitar a moedura. Reserve.

Recheio:
Refogar a carne com a cebola e o alho. Juntar os demais ingredientes e deixar cozinhar bem, até formar um molho apurado.

Montagem:
Untar uma fôrma e despejar metade da massa. Distribuir o recheio de carne moída e, por cima, regar o restante da massa. Levar para assar em forno previamente aquecido. Se deixar assar bem, ela ficará bem sequinha.

O excelente desempenho do mês de dezembro – que teve resultado 47% maior que no ano anterior, puxado pelos lançamentos de “Madagascar 2″ e “Crepúsculo” – não foi suficiente para elevar de forma significativa o público de 2008 acima do patamar de 2007.  O público de 2008 totalizou 89,4 milhões de pessoas contra os 88,7 milhões de 2007. Em termos de renda, o resultado foi pouca coisa melhor: 2,6% acima que o ano anterior. Em 2008, as bilheterias tiveram uma renda bruta de R$ 726,7 milhões, contra R$ 708 milhões em 2007. Resultado obtido graças à pequena variação do preço médio de ingresso (1,8%) e ao aumento de público (0,8%). O preço médio do ingresso em 2008 foi de R$8,12, um reajuste bem abaixo da inflação.

O market share dos filmes brasileiros não teve variação significativa,
ficando em torno dos 10%, contra 11,5% em 2007. Os cerca de 300 mil
espectadores que compareceram aos cinemas  em dezembro para assistir a “Se Eu Fosse Você 2″ não foram suficientes para mudar o equilíbrio da balança.

- A excelente resposta do público a “Se Eu Fosse Você 2″ mostra como estamos carentes de bons produtos. Quando eles aparecem, o público responde positivamente – diz Jorge Peregrino, presidente do Sindicato. – Com esse bom resultado de dezembro e ótima abertura do filme em janeiro, é hora de mostrar os bons filmes que temos para 2009 e atrair o público.

Pelo menos 40 filmes nacionais já estão agendados e contam com distribuiçãogarantida. Entre os estrangeiros, na linha seqüências, estão as estréias de”Harry Potter”, “X-Man”, “Era do Gelo”, “Velozes e Furiosos”, “Uma Noite noMuseu” e “Transformers”. Há também estréias de peso como “2012″, “The Spirit– O Filme” e “Avatar”.

2008 em números

·   Total de público 2008: 89,4 milhões de pessoas

·   Total de público 2007: 88,7 milhões de pessoas

·   Variação do total de público em 2008 em relação a 2007: 0,8%

·   Renda bruta em 2008: R$ 726,7 milhões

·   Renda bruta em 2007: R$ 708 milhões

·   Variação do total da renda das bilheterias em 2008 em relação a 2007:
2,6%

·   Preço médio do ingresso em 2008: R$ 8,12

·   Preço médio do ingresso em 2007: R$ 7,98

·   Variação do preço do ingresso médio em 2008 em relação a 2007: 1,8% (bem
abaixo dos índices de inflação)

·   Market share do cinema nacional em 2008: 10%

·   Market share do cinema nacional em 2007: 11,5%

Este resultado não considera o total – apenas parcial – dos cerca de 1,9
milhão de espectadores do programa “Vale Cultura”, do Governo do Estado de São Paulo, uma vez que os exibidores não repassaram os dados. O Sindicato irá se articular com a Secretária de Cultura do Estado de São Paulo para obter os dados de público do filme nacional deste programa.

Fonte:  Sindicato das Empresas Distribuidoras Cinematográficas do
Município do Rio de Janeiro

Partindo do começo do século XX, lhes conto, através dos filmes, um pouco da Era dos Extremos de que fala o historiador Eric Hobsbawn: de maneira figurada, o século XX foi o período entre a eclosão da 1ª Guerra Mundial, em 1914, e o colapso na União Soviética (URSS), em 1991.

Comecemos por Feliz Natal (Joyeux Noel, 2005): durante a 1ª GM, soldados franceses, alemães e escoceses presos em uma frente de batalha durante o Natal param a guerra por uma noite e confraternizam entre si. Depois tudo voltou ao normal e os soldados foram punidos por seus superiores, acusados de confraternizar com o inimigo. O filme foi baseado em uma história real de solidariedade entre homens sofridos que trocaram comidas, bebidas e alegrias durante a noite de Natal de 1914. No filme, os soldados de cada país falam suas próprias línguas e os atores que os interpretam são também originários destes. O roteirista e diretor Christian Carion soube respeitar as nacionalidades e não colocou alemães e franceses falando inglês.

Da Primeira Guerra saltamos para a Revolução Russa com Reds (Reds, EUA, 1981, 188 min). Dirigido e estrelado por Warren Beatty, constrói uma cinebiografia do jornalista norte-americano John Reed, que esteve presente na Revolução Russa de 1917 e sonhou em liderar uma revolução semelhante nos Estados Unidos. O filme é um retrato dos acontecimentos da Revolução Russa e se baseia no livro Os Dez Dias que Abalaram o Mundo, um livro-reportagem sobre o que Reed presenciou durante sua estada na Rússia.

Cena de Dr. Jivago

Outro filme que vale a pena citar aqui é Doutor Jivago (Doctor Zhivago, EUA, 1965, 200 min). Baseado em um romance homônimo, conta a história de um médico russo, desde sua infância, ainda na Rússia czarista, até a crise e os expurgos da nobreza, nos anos 20 e 30. A História é pano de fundo para os acontecimentos da vida de Yuri Zhivago (Omar Sharif) e o filme é um pouco cansativo, mas a bela fotografia que destaca as paisagens da Rússia e a trilha sonora salvam o longa.

Às vésperas da 2ª Guerra Mundial, a Guerra Civil Espanhola (1936-39) dividiu o mundo entre duas correntes ideológicas. Após uma crise da monarquia, inicia-se a Segunda República espanhola e a Frente Popular, de esquerda, vence nas eleições de 1936, o que provoca grande descontentamento por parte da direita, que em 16 de julho daria início à Guerra Civil com um golpe militar, na tentativa de derrubar o governo democraticamente eleito. Tendo apoio da Igreja Católica, do Exército e dos latifundiários, o grupo rebelde, liderado por Francisco Franco, buscava implantar um regime fascista na Espanha.

Enquanto os rebeldes tinham apoio dos poderosos exércitos alemão e italiano (de Hitler e Mussolini), a Frente Popular contou apenas com ajuda da URSS e das Brigadas Internacionais, compostas por militantes socialistas de todo o mundo, além do apoio de intelectuais de vários países. Os diversos problemas de organização interna e a carência de armas e suprimento não puderam fazer frente ao exército de Franco, que assumiu o poder em 1º de abril de 1939. Esta movimentação e o drama da Frente Popular e dos voluntários que se aliaram à luta na Espanha foram retratadas no filme Terra e Liberdade (1995), que conta a história de um inglês que se junta aos espanhóis em defesa de seus ideais democráticos.

A segunda guerra

Exatos 5 meses após o termino da Guerra Civil Espanhola, o exército alemão invadiria a Polônia, dando inicio à 2ª Guerra Mundial. De setembro de 1939 à maio de 1945, a guerra arrasou a Europa, a Rússia, o Japão e passou por algumas ilhas do Pacífico, sendo tema de vários filmes que abordam o holocausto, o extermínio de judeus, o desastre atômico japonês, as batalhas em si ou a destruição dos países e as conseqüências que enfrentaram.

Dentre os filmes sobre este período, é interessante perceber como Casablanca (produzido em 1942), apesar da aparência de simples romance, defende os ideais dos Aliados (maior parte da Europa, Rússia e, posteriormente, EUA) em detrimento do Eixo (Alemanha, Itália e Japão) e seu final, visto hoje, pode ser considerado como uma profecia de que tudo daria certo para os Aliados. Ainda bem que deu, caso contrário este filme provavelmente teria sido banido das locadoras!

O Grande Ditador (1940), de Charles Chaplin foi o primeiro filme a denunciar as atividades da Alemanha nazista. O comediante, que não gostava de filmes falados, brilhou nesta sátira, com direito a discurso imitando Hitler e monólogo em defesa dos direitos humanos em plena Segunda Guerra.

Nos filmes produzidos posteriormente é comum vermos retratos da destruição e sofrimentos provocados pela guerra, como em O Pianista, em que Adrien Brody interpreta um pianista judeu e polonês que se esconde em guetos e passa por situações terríveis para fugir aos alemães, sobrevivendo assim até o final da guerra.

Neste meio, destacam-se filmes que despertam sutilezas por traz dos acontecimentos. A Vida é Bela, vencedor de 3 Oscars em 1998, conta a história de um pai que tenta proteger seu filho de um campo de concentração, escondendo-o e inventando que todo aquele cenário é parte de um jogo do qual o menino deve sair campeão.

No recente Um homem bom (Good), um professor universitário se deixa enredar pela ideologia nazista até o momento em que se olha no espelho e esta usando a farda negra da SS, a guarda especial e de elite nazista. Apesar de ser falado em inglês, este filme mostra um lado importante de como cidadãos bons e comuns contribuíram para a perseguição de judeus e a construção do poder do nacional-socialismo.

O Pós-guerra

Terminada a Segunda Guerra, o cinema salta para temas como a Guerra Fria. Em seu Dr. Fantástico (1964), Stanley Kubrick retrata o louco frenesi da corrida nuclear. A Culpa é de Fidel, coloca uma menininha confusa e dividida entre a educação católica e conservadora que teve e a nova ideologia comunista de seus pais. No Brasil, O Ano em que meus pais saíram de férias coloca com menino que, sem perceber, perdeu seus pais para a ditadura militar, em meio à copa de 1970.

A Alemanha dividida e as conseqüências que a imposição de um governo socialista teve sobre Berlim e seus habitantes são tema de A Vida dos Outros (2006, 137 min), vencedor do Oscar de melhor filme estrangeiro. Em 1984 na Berlim Oriental, o bem-sucedido dramaturgo Georg Dreyman e sua namorada, a atriz Christa-Maria Sielandum, começam a ser vigiados 24h por dia, com escutas e câmeras em seu apartamento. O filme é ágil, apesar das mais de 2h, e traça um retrato da situação vivida por intelectuais e artistas na Alemanha oriental pós-guerra.

Se na 1ª GM Daniel Brühl interpreta o comandante da frente alemã (em Feliz Natal), agora no final do século ele volta como Alexander Kerner, um jovem que busca proteger sua mãe das fortes emoções que ela pode ter ao saber da queda do muro de Berlim, em Adeus, Lênin! (2003). O filme retrata a transição que a Alemanha oriental sofreu após a queda do muro, em 1989, e o impacto que as mudanças tiveram sob os cidadãos alemães.

Para finalizar, o documentário Nós que aqui estamos por vós esperamos compõem um mosáico de memórias do século XX, com cenas de arquivo, memórias de personalidades e pessoas comuns. O retrato político cotidiano pode ser visto, de forma satírica, nos dois últimos filmes dos irmãos Coen, Queime depois de Ler e Onde os Fracos não têm Vez, que retrataram nosso mundo (com foco nos EUA) de forma bem humorada e ao mesmo tempo cruel. Críticas divertidas e ácidas que merecerão ser lembradas em futuros artigos sobre a história nos cinemas.

Dominado pelos norte-americanos, o gênero de animação começa a dar seus primeiros passos em terras tupiniquins. O Grilo Feliz e Os Insetos Gigantes é a opção brasileira aos desenhos dos grandes estúdios de Hollywood. Diga-se a verdade, uma péssima opção. Embora seja até tecnicamente bem feito, o filme tem uma história pra lá de capenga e só servirá como distração para os pequeninos (leia-se crianças abaixo dos 5 anos que conseguem se divertir com qualquer coisa que passe numa tela grande).

No longa dirigido por Rafael Ribas e Walbercy Ribas, um grilo cantor precisará enfrentar com ajuda de outros animais uma gangue que pirateou seu cd. Faltam ao roteiro boas piadas e personagens carismáticos (características típicas das melhores animações). Em compensação, sobram idéias a serem defendidas. Além da propaganda contra a pirataria, o filme prega o respeito as diferenças. Nada contra a proposta dos criadores da animação. A venda dessas idéias politicamente corretas poderiam ser aceitas desde que se encaixassem numa boa história. Mas o que ocorre é o extremo oposto. O enredo de O Grilo Feliz e Os Insetos Gigantes apresenta situações inconsistentes, incapazes de arrebatar a simpatia dos espectadores. Nem a dublagem das criaturazinhas ajuda o filme. Os atores escalados para a tarefa (ninguém conhecido do grande público) criaram uma voz debilóide para o grilo e seus amigos, o que dificulta ainda mais acompanhar os “diálogos”.

A soma de todos esses problemas faz com que o filme seja responsável por uma façanha: uma animação sem a menor graça.

]]> http://cinefilosjjunior.wordpress.com/2009/01/11/o-grilo-feliz-e-os-insetos-gigantes/feed/ 2 cinefilosusp 41jpg1 12jpg1 http://cinefilosjjunior.wordpress.com/2009/01/09/a-troca/ http://cinefilosjjunior.wordpress.com/2009/01/09/a-troca/#comments Fri, 09 Jan 2009 20:43:00 +0000 Cinéfilos http://cinefilosjjunior.wordpress.com/?p=1206 Continue lendo →]]> Ricky Hiraoka

Nem o mais talentoso e sádico dos escritores poderia criar uma história tão cruel e avassaladora como a do filme A Troca (Changelling), que narra a saga real de Christine Collins (Angelina Jolie) em busca de Walter, seu filho desaparecido. Quando dá queixa do sumiço de seu rebento, Christine passa a conhecer o mundo de corrupção e ganância que caracterizava o ineficiente departamento policial de Los Angeles na década de 1930. Christine é submetida a toda sorte de humilhações, chegando a ser obrigada a aceitar uma criança que, apesar das evidências apontarem o contrário, a polícia afirma ser seu filho. Além de ter que assumir a criação de um garoto desconhecido, Christine enfrentará as armadilhas do detetive Jones (Jeffrey Donovan) para provar que ela sofre de problemas mentais. Mas o pior golpe que Christine sofrerá diz respeito ao paradeiro de Walter.

A Troca é dirigida pelo veterano Clint Eastwood que, além de promover uma bela reconstituição de época, consegue conduzir, com maestria, o elenco encabeçado por Angelina Jolie. A esposa de Brad Pitt deixa de lado sua sensualidade, transformando-se numa mãe dedicada e sofredora. O corpo magérrimo (que muitos apontam como fruto de anorexia) contribui para a caracterização da personagem. Sua performance varia entre o histérico e o sensato e em momento algo soa exagerada ou caricata. Jolie transpõe para as telas não só a dor de uma mãe como também o tormento que uma dúvida pode trazer. É nas cenas em que se defronta com a incerteza em relação ao destino de seu filho que ela mostra a grande atriz que é. Esperança, raiva, indignação explodem através dos olhos e dos gestos de Jolie que, ao que tudo indica, é séria candidata ao Oscar.

A atriz, que foi indicada ao Globo de Ouro pelo papel, faz campanha para conseguir a indicação ao prêmio mais importante do cinema mundial. Mas o caminho não será fácil. Jolie terá que deixar para trás Anne Hathaway, que está sendo elogiadíssima por seu desempenho em O Casamento de Rachel e é a favorita para levar a estatueta. É esperar para ver se Jolie consegue promover “a troca” da opinião dos membros da Academia.